Des œuvres In situ
Les frères Chapuisat
Les installations monumentales des frères Chapuisat sont
des pièces à vivre, des œuvres d'art expérimentables dans lesquelles la notion
de repli, de refuge, de nid, est essentielle. Leurs œuvres tendent à envahir
l'espace, conviant le spectateur à pénétrer dans un univers singulier et vierge.
La Résidence secondaire, Les frères Chapuisat R-Art,
2012, Vercorin, Suisse.
A st-Nazaire, une fois par an, une
exposition est organisée dans un espace situé dans l’Alvéole 14 de la base des
sous-marins. Durant l'été 2012 a eu lieu l'exposition des Frères Chapuisat:
"Métamorphose d’impact #2".
Métamorphose d'impact #2, Les frères Chapuisat, LiFE - Saint-Nazaire, 2012.
Leur installation
se révèle lentement, tapie dans la semi-pénombre, vertigineuse, tout de bois.
Cette étrange greffe suspendue, comme un objet aimant, stimule l'imagination du
public : vaisseau en apesanteur, iceberg enchâssé,météorite perdue, volcan
renversé... l'oeuvre invite le public à
explorer son intimité : s’il tente l’expérience, le visiteur découvre un
cratère d’or, une étanche cellule qui diffuse des palpitations. Comme si les
Frères Chapuisat avaient capturé dans ce minuscule espace un trésor d’énergie
tellurique, et toute la lumière originelle, hors du temps. A travers cette
oeuvre les artistes font une reflexion sur l'idée utopique de boule d'énergie,
du trou crée par l'énergie après l'impact d'une météorite. Cet espace, qui se
veut "extra-terrestre", invite l'esprit à une immersion totale dans
leur travail.
Daniel Buren
Daniel
Buren est un artiste français qui a su dépasser les frontières en remportant
notamment le prestigieux prix du Lion d'Or lors de la Biennale de Venise en
1986, avec sa célèbre oeuvre "Les Deux Plateaux" située dans la cour du
Palais-Royal. Avec son nouveau projet "Excentrique(s) In Situ"
l'artiste continue de developper un art abstrait et minimaliste.
Anneaux, Daniel Buren, quai des Antilles, Nantes.
"Les Deux plateaux" est une
œuvre monumentale, située dans la cour d’honneur du Palais Royal, qui relève de
trois catégories : la peinture, la sculpture et l’architecture. Elle a deux
objectifs : révéler le sous-sol tout en évitant l’installation traditionnelle
d’une sculpture au centre de la place et s’intégrer à la composition
architecturale déjà là, linéaire, répétitive et tramée (Palais-Royal).
Formée de
troncs de colonnes de différentes tailles et organisés de manière rigoureuse,
cette œuvre propose une lecture nouvelle de l’espace.
L’implantation des colonnes tient compte des éléments
déjà présents, selon un quadrillage régulier matérialisé par des lignes
discontinues formées de carrés, alternativement noirs et blancs, de 8,7 cm de
côté, dont les lignes prolongent celles de la colonnade de la Galerie d'Orléans
voisine. Parfaitement et mathématiquement alignées, elles font échos aux
architectures antiques. De plus, elles prennent racine en sous-sol, sous le grillage, émergant à l'air libre comme si elles
surgissaient du sol archéologique de Paris. De
l'eau devait circuler autour des colonnes souterraines éclairées de jeux de lumières. Or rien ne fonctionne plus
depuis huit ans. Le jeu entre l'air et l'eau,
la surface et les profondeurs n'existe plus. Le
mouvement crée par l'eau et la lumière qui s'y reflète devait atténuer la sévérité de l'installation. Le titre
s’explique par l’existence de deux plateaux que l'œil et la pensée du
spectateur reconstruisent in situ, lors des déambulations dans l’espace : un
plan horizontal et un autre, fortement incliné.
Deux Plateaux, Daniel Buren, Paris.
Pour être perçue dans sa totalité, l'œuvre de Buren
nécessite l'implication physique et mentale du visiteur. Aucun point de vue
n'étant privilégié, les images proposées ici sont le fait d’un choix arbitraire
du photographe.
Daniel Buren a conçu une
oeuvre au caractère volontairement urbain (asphalte et caillebotis
métalliques…), que le public investirait librement. ce qui s’est effectivement
produit, donnant un contraste avec le sérieux du lieu : il s'agit d'un lieu
parlementaire où le public se comporte comme des enfants en escaladant des
colonnes. Sous cette construction, on pouvait donc entendre l’eau couler.Buren
souhaitait ainsi donner une autre perception du lieu, une perception sensitive.
Cécile Bart
Cécile Bart a poursuit une œuvre
singulière qui met en scène tour à tour, la peinture, le jeu entre sa
profondeur et sa surface, sa modulation par la lumière, le tableau comme écran,
le regard et la place du spectateur. Ces dernières années, elle a
considérablement élargi la palette de ses moyens d’intervention, tout en
conservant l’outil d’investigation qu’elle avait mis au point dans la seconde
moitié des années 1980.
Mobile, peinture glycérophtalique sur Tergal "plein jour",
châssis aluminium, câbles, 2013.
Fenêtre Diptyque, peinture glycérophtalique sur Tergal "plein Jour", châssis aluminium
210 x 280 cm, 2007.
Chaque peinture est également
l’occasion de réaliser des échantillons, dont l’ensemble forme un nuancier. Ce
sont des carrés de 90 x 90 cm, qui peuvent être disposés au sol en
superpositions, ou dont la présentation individuelle, au mur, est laissée
libre. La plupart des travaux de Cécile Bart requièrent la lumière du jour pour
être vus dans de bonnes conditions. Chaque type d’œuvre, chaque exposition de
Cécile Bart se propose donc comme une expérience à vivre dans une certaine
durée, différente pour chacun des visiteurs.
Cécile Bart invite aux mouvements,
aux déplacements latéraux, aux panoramiques, au jeu avec la profondeur de
champ. C’est de façon discrète et paradoxale, mais néanmoins profonde, que son
art est en effet nourri de cinéma. Elle s’est expliquée à plusieurs reprises
sur ce « cinéma in situ et en temps réel ».
Le travail de Christian
Jaccard repose sur la question de la définition du dessin. Son trait provient
de la trace laissée par la mèche lente, c'est le suintement incandescent du
goudron qui vient imprimer la toile blanche. Ou bien les flammes elle-mêmes,
vives, illuminant les murs, comme des dessins-installations.
Le travail de Christian
Jaccard repose sur la question de la définition du dessin. Son trait provient
de la trace laissée par la mèche lente, c'est le suintement incandescent du
goudron qui vient imprimer la toile blanche. Ou bien les flammes elle-mêmes,
vives, illuminant les murs, comme des dessins-installations.
